当怀旧经典与尖端科技迎头相撞，会激荡出怎样的视听风暴？位于拉斯维加斯的球形剧院（Sphere）正用一场颠覆性的尝试给出答案——1939年影史不朽之作《绿野仙踪》正被AI技术彻底重塑，这场实验不仅挑战了观众的认知边界，更在好莱坞掀起了一场关于艺术、技术与伦理的激烈争论。
作为被美国国会图书馆永久收藏、全球观看次数最多的音乐电影之一，《绿野仙踪》早已超越普通影片的范畴，成为流行文化的图腾。正因如此，任何对它的改动都显得格外敏感。不少影迷和评论家对AI介入经典修复表达了强烈质疑，认为这是对电影遗产的亵渎。然而，制作人简·罗森塔尔却坚定地认为，这部电影从诞生起就流淌着创新的血液，理应成为新技术的试验场。
她指出，《绿野仙踪》本身就是技术突破的产物——当年华纳兄弟力推特艺彩色（Technicolor）技术，让影片成为彩色电影的先驱。五位导演的接力创作也打破了传统导演主导的模式，这恰恰说明它并非一个封闭的“作者作品”，而是集体智慧与时代技术的结晶。因此，用AI扩展其视觉边界，在她看来是顺理成章的延续。
但这绝非一次简单的4K修复或音效升级。球形剧院拥有17600个座位，其内部包裹着面积高达16万平方英尺的弧形LED巨幕，相当于三个标准足球场的长度，垂直高度接近22层楼。在这样的空间里，传统电影的“画框感”必须被彻底打破，否则观众将如同透过钥匙孔窥视一场宏大的奇幻之旅。
新版《绿野仙踪》为此构建了前所未有的沉浸体验：750马力的风力系统卷起漫天碎片，座椅随情节震动，龙卷风不再是银幕上的二维影像，而是将多萝西的小屋“抛”向黄砖路的真实感官冲击。飞猴在头顶盘旋，翡翠城在四周延展，观众不再是旁观者，而是被拉入奥兹国的中心。
为了适配球形剧院高达16K的分辨率，AI被用于训练并生成原片未涵盖的视觉内容——从角色的侧面动作到背景中未曾出现的生物细节，每一帧都经过重新渲染。音效系统也针对场馆内167000个独立扬声器进行了重构，确保声音如风般在空间中流动。
“这不是马丁·斯科塞斯式的修复，”罗森塔尔强调，“我们与华纳兄弟和谷歌合作，打造的是一个‘体验式电影’。”这种模式模糊了电影、演出与虚拟现实的界限。视觉总监本·格罗斯曼——一位奥斯卡得主——将其比作“软件开发”：内容可以持续迭代，根据观众反馈动态调整，让作品保持“活着”的状态。
然而，这一愿景并未平息争议。当电影学者本·曼凯维奇在社交平台分享AI生成的龙卷风片段后，网络舆论迅速炸锅。许多创作者担忧，AI正成为资本削减人力成本的工具，而经典电影的“神圣性”不应成为技术实验的牺牲品。导演帕特里克·里德·约翰逊直言：“如果导演本人想探索新媒介，我全力支持；但如果只是版权方为盈利而擅自篡改，那我们必须说不。”
面对质疑，罗森塔尔回应称批评者“如同盲人摸象”，毕竟目前尚无公开试映，这种专属场地的体验也无法被完整传播。球形工作室负责人卡洛琳·布莱克伍德则表示，他们正谨慎筛选后续项目——并非所有电影都适合这种形式，但《绿野仙踪》证明了沉浸式影院的无限潜力。
格罗斯曼坦言，团队深知AI带来的社会焦虑，尤其是在娱乐业不断压缩预算的背景下。但他坚持认为，球形剧院不是取代传统电影，而是开辟一个新维度。“在这里，屏幕消失了，你进入的是一个被故事包围的现实。我们必须重新学习如何‘看’电影。”
这场围绕AI与经典的博弈，远不止是技术升级的讨论，它触及了艺术所有权、创作伦理与未来观影形态的核心命题。无论成败，《绿野仙踪》的球形重生，已然成为电影进化史中一个不可绕过的坐标。
